Desde este blog, aunque últimamente hemos aportado poco por otros temas, os deseamos que paséis unas felices fiestas con vuestros seres queridos, que comáis y bebáis mucho pero que no os siente mal y que tengáis una buena entrada y salida de año.
Como con casi todo con música es mejor hemos preparado una selección de temas de temática navideña bastante variadito de estilo como ocurre con el blog en general. Esperamos que os guste.
Lo primero es lo primero: feliz año a todos los que visitáis nuestro blog. Como queremos que este 2013 sea muy positivo para todos, os traemos música positiva para empezar el año. Esa tarea se la encomendamos a Membous (メンボーズ) un dúo de pop acústico de Taisho-ku, uno de los distritos de Osaka (Japón). Sus componentes eran Fusayo Nakamura (voz y guitarra) y Mariko Nakagawa (guitarra, voz, batería) y empezaron su andadura musical en 1992. Sus canciones son bonitas piezas de folk pop intimista, que emotivamente se mueven entre una diáfana alegría y una tierna melancolía.
Este de aquí es su primer LP, "Honey Chapatti" (Gyuune, 1995), reeditado por Bad News en 1997 y que fue aclamado por la crítica independiente y por colegas suyos, como miembros de Acid Mothers Temple. Tras publicar tres referencias (sin contar varias maquetas), la banda se separó hace ya años, por lo que nos queda el misterio de qué ocurrirá con el proyecto de su 30º aniversario, planeado para el 22 de febrero de 2022 a las 22:02 con 22 seg: un concierto en la Antártida. Que quede, por lo menos, como reflejo del mágico mundo de Membous.
¡Hola! Regreso del mundo de los muertos para traer una nueva all-female-punk-band a nuestro blog. En esta ocasión se trata de 赤痢 (Sekiri; "Disentería"), banda de Kyoto formada en 1983. No es una de esas bandas cute simpaticotas, sino más bien una con un sonido (y temática) bastante sucio, cercano al grunge, caótico y psicótico por momentos.
El grupo, en la época de la grabación de este "Sekiri II" (Alchemy, 1990) -que no se trata de su segundo disco, sino del sexto-, estaba formado por Miyu (voz), Kumiko (guitarra), Aya (batería) y Moai (bajo), que sustituyó a la bajista original, Yu, en 1988 y que pocos años después también salió de la formación. Yu se reintegró en 1994 para conmemorar el décimo aniversario del grupo y la banda continúa como trío desde entonces. Aunque no publican material nuevo desde 1995, en sentido estricto la banda sigue en activo; de hecho, recientemente han publicado un nuevo recopilatorio oficial. Recomendado si os gustó INU.
赤痢 - 赤痢II
1 - 今夜星光爛漫
2 - 虫歯
3 - 一発
4 - セキリパーカーズ
5 - ウラドラ人生
6 - 愛をこめて
7 - Gas
8 - お別れしよう
9 - One More Need You
10 - タバコが吸いたい
11 - Love Bordeaux
¡Noticias frescas! Para septiembre de este año se avecina el retorno de una de las bandas punk más... más... punk! En efecto, tras unos cuantos años, Lolita No.18 vuelven con nuevo álbum de estudio. Para celebrarlo, aquí traemos uno de sus más grandes discos, "Fubo Love NY" (sister, 1998), el cuarto de su carrera.
Lolita No.18 es una de las bandas más legendarias de la escena punk japonesa, y muchos la consideran la primera de las bandas de chicas punk, todo un fenómeno en los 90. Sin ninguna duda, el elemento que con mayor facilidad identifica a Lolita No.18 es su líder y cantante, Masayo Ishizaka, tanto por su imagen superpunkarra como por su peculiar voz. Ella es la única que siguen en la banda desde su fundación en 1989. Este disco pertenence a la que podríamos considerar su formación "clásica", con Kim*Rin, Enazo, Aya Bow y la ya mencionada Masayo. "Fubo Love NY" fue grabado en New York y producido nada más y nada menos que por el gran Joey Ramone, el cual hace coros y aparece en el vídeo de la versión que estas chicas hacen de la canción de los Ramones "Rockaway Beach". Aunque mi favorita es "Bobby Tank", que es la que os adjunto más abajo. Tal vez por esa canción creo que este es el mejor disco de la banda, con toda seguridad es el que entra con más facilidad. Pero no se confíe nadie, que la primera es un trallazo de mucho cuidado, por ejemplo.
Y a esperar hasta septiembre. Aunque Lolita No.18 es una banda que ha variado muy poco su estilo en estos ya más de veinte años de carrera, lo cierto es que tiene discos mucho más inspirados que otros. Sea como sea, un disco nuevo tras tantos años, hay que celebrarlo.
Lolita No.18 - Fubo Love NY
1 - Fubo Toro 2 - Flying Kuro 3 - Bobby Tank 4 - Zen Gryder 5 - Butterfly 6 - Masasetchuu 7 - Neko No Esa 8 - Go Go Psycho 9 - Ashibumi Song 10 - Muda Set 11 - Gos Super Kami 12 - Only You 13 - Rockaway Beach
Hoy me voy a permitir el lujo de traer un recopilatorio de varios artistas de la mano del sello alemán QDK y dentro de su serie "Exótica" en 2001. "Asian Takeaways" contiene diversas canciones -fundamentalmente tradicional combinada con pop, easy listening, vocal jazz, etc.- de China, Corea, Taiwán, Singapur, etc., de los años 60 y 70. Así pues, su mayor virtud reside en acercanos una serie de piezas e intérpretes a los cuales sería muy difícil acceder de otro modo.
No he identificado a todos los intérpretes, por detrás señalan el país de origen, pero solo aparece una pieza japonesa, "Shojiji", tradicional y aquí de intérprete desconocido. Ello se debe a la preponderancia cultural de este país que hace que, en fin, la música de Japón sea bien conocida fuera de sus fronteras; desde luego, mucho más que la otros rincones del Extremo Oriente. Entre los intérpretes encontramos a Yoon Il-loh, Chang Loo [張露; extrañamente, en el recopilatorio aparece con los dos nombres] (en la foto), las hermanas Chung y otros tantos. Así que, sin más, háganse con este "Asian Takeaways" y profundicen en el pasado de la música pop asiática.
VV.AA. - Asian Takeaways (2001)
01 - 靜婷 - The Joke 02 - Yoon Il-Loh - Guitar Boogie 03 - Ahn Chung-ae - No Mercy Blues 04 - 姚蘇蓉 - Good Bye In Spring 05 - 張露 - At Three Springtime 06 - Chang Siao Ying - I Miss You Forever 07 - Che Hong Beck - Blowing The Whistle 08 - [unknown] - Shojojii 09 - 姚蘇蓉 - Love Is Blooming 10 - Chang Siao Ying - Come Back to Me 11 - Chang Loo - When Will You Come Back Again 12 - Thu Su Yung - You Can Be Anything in Life 13 - 姚蘇蓉 - Bridge of Lovers 14 - Yoon Il-Loh - A Moody Person's Life 15 - Thu Su Yung - What a Sound 16 - Yiu Peng - Don't Say I'm Silly 17 - Wang Wen Li - My Husband Run Away 18 - Thu Su Yung - Great Love 19 - Chung Sister - Romance Family 20 - 姚蘇蓉 - Sacred Wind in Spring
Vídeo de 张小英
No he encontrado ningún vídeo concreto con temas de este recopilatorio; tampoco he buscado mucho porque los títulos aparecen traducidos con cierta alegría, pero aquí les dejo con uno de esta intérprete de Singapur, una de las incluidas.
¡Ey, sigo vivo! Y aquí estoy para recomendar el mini álbum homónimo de ミホミホマコト [Mihomihomakoto] y editado en 2006 por Amuse Inc. El nombre del grupo se debe a la conjunción de los nombres de sus tres componentes: Miho Ashahi, Miho Moribayasi y Makoto Kawamoto. A Moribayasi la conocemos bien porque es el alma mater de Hi-Posi... Pues bien, con su proyecto en barbecho, nuestra amiga se juntó con otras dos cantantes -ambas también interesantes en solitario, pero con una orientación más lejana de esta propuesta que la propia Moribayasi- para crear este pequeño disco, con ecos de aquel Shibuya de los 90 pero sobre todo imaginería y sonido retro. Para que se vea que soy fan, no me queda más que destacar "Gone the Rainbow", donde Mirey es la intérprete principal. Aunque la estrella del álbum debe ser "I Want to Be Loved", que es la canción que lo abre y lo cierra en su versión japonesa. El CD incluye un DVD extra con los vídeos de las dos canciones señaladas.
Y poco más que añadir, porque esto no fue más que una colaboración concreta, sin más continuidad. Así que os dejo un vídeo para animarse a adquirirlo -e id preparando la cartera, porque en muchas tiendas de Internet supera los 50 euros-.
Mihomihomakoto - Mihomihomakoto
1 - I Want to Be Loved 2 - Gone the Rainbow 3 - Three Topazs 4 - Sunset Blue 5 - Rabato de Camel 6 - I Want to Be Loved (japanese version)
Tras la vorágine navideña y superada la consiguiente resaca, volvemos este nuevo año con un disco que nos quite toda la tontería de encima. Dicha labor recae sobre 54 Nude Honeys y su disco homónimo de 2003.
54 Nude Honeys es una banda japonesa de garage punk formada en 1992 por Vivi, Kotome, Yuri y toda una serie de baterías que desfilaron por lsus filas durante sus quince años de existencia. Sin duda, su imagen -vestidas con ropa de cuero y estética sado-maso- es una de sus señas de identidad, pero también lo es su sonido, directo y sucio. Algo así como la versión femenina de Guitar Wolf.
Este disco es su última grabación de estudio; se separaron en 2007. Su intensa labor en directo se advierte aquí en un sonido más duro y preciso, si bien el estilo se mantiene constante a lo largo de toda su carrera. Esa homogeneidad les permitió crear un sonido fácilmente identificable y, tras mucho trabajo y giras, les abrió las puertas a los mercados occidentales. Es relativamente fácil encontrar recopilatorios de su carrera más que discos en directo; en cualquier este puede ser el mejor de los que grabaron.
54 Nude Honeys - 54 Nude Honeys
1 - Where Is Love?
2 - Full of Potholes
3 - No Way
4 - Hard Drunker
5 - Fat Liver
6 - Go to Hell
7 - Ghost Town
8 - Don't Shup Me Up
9 - Lost in Forest
10 - Boring Man
Volvamos a los grandes clásicos. Hoy traemos a Grace Chang, también conocida como Ge Lan y otras variantes, una actriz y cantante China natural de Shangai y afincada en la más occidentalizada ciudad de Hong Kong que alcanzó un enorme éxito en su tierra por aquellos tiempos y que aún perdura como un clásico y con mucho cariño, a la altura y tal vez mayor que de las 七大歌星 (las siete grandes voces chinas de los primeros años del siglo XX, una generación anterior a la de Chang). Su carrera se desarrolló fundamentalmente entre el último lustro de los años 50 y el primero de los 60, protagonizando más de treinta películas -todas ellas con números musicales- y grabando numerosos discos. Inlcuso tuvo un papel menor en una película de Hollywood, "Soldiers of Fortune" (Edward Dmytryck, 1955), protagonizada por Clark Gable -Grace tuvo mucho contacto con Occidente; fue la primera actriz china en aparecer en la televisión estadounidense, durante "The Dinah Shore Show" en 1959, editó un disco para dicho mercado y de hecho contrajo matrimonio en Londres-. En 1964 dejó el cine al contraer matrimonio y se centró en el estudio e interpretación de ópera china, con algunas apariciones y grabaciones relacionadas en las siguientes décadas. En 2002 se celebraron los 50 años de su debut con un gran espectáculo de componentes de la ópera de Pekín. Tsai Ming-Iiang incluyó algunas de sus canciones en las bandas sonoras de sus películas "天邊一朵雲 [El sabor de la sandía]" (2005) y "The Hole" (1998), siendo esta última un velado homenaje a Grace Chang.
Musicalmente, la obra desarrollada por Grace Chang en sus años de juventud acerca los sonidos occidentales a la música popular china. En aquellos años Hong Kong era aún un enclave británico y por ello Grace tuvo acceso a músicas modernas, ritmos latinos como el mambo o el calipso, números de vodevil, adaptaciones de ópera occidental y sobre todo pop en forma de música ligera... Intrepretó fundamentalmente en chino mandarín, pero también lo hizo en chino cantonés, inglés e incluso tailandés.
Así como se ve, han pasado muchos años desde su principal época de actividad, y dadas las circunstancias, es muy difícil acceder a la obra original de Grace Chang tal cual se editó. Sin embargo, su popularidad se mantiene y por ello son muy numerosos los recopilatorios publicados. Aquí tenemos uno de ellos, publicado en 2004, primer volumen -sintomático que a Grace Chang dediquen el primer disco- de una serie dedicada a vocalistas chinas. Se varía la orientación de las canciones entre las más tradicionales y otras más influidas por las nuevas tendencias, aunque se echa en falta algunos de sus canciones más atrevidas, como los mambos, pero aún así encontramos hermosos números y adaptaciones, como el "Carmen" de George Bizet con pases de cha cha cha o la inevitable "Madame Butterfly", canciones que que alcanzan a cualquiera y embelesan por su bella voz.
Volvemos a Osaka, volvemos al rock. Angel'in Heavy Syrup, es una reputada banda de la prolífica escena de Osaka, cuyo line-up fundamental está compuesto por Mine Nakao , Mineko Itakura (Slap Happy Humphrey) y Fusao Toda (Christine 23, Acid Eater). Suele ser descrito como trío pero siempre tuvieron que echar mano de alguien a la batería. Aunque oficialmente la banda no está separada, desde finales de los 90 no publican material nuevo de estudio, además de que Toda está inmersa en Acid Eater e Itakura reside actualmente en Bélgica.
El sonido de Angel'in Heavy Syrup, muy particular, puede fácilmente ser descrito como una evolución con una constante psicodélica desde su primer álbum, con mayor preponderancia del garage, a los dos últimos de sonido más etéreo, siendo el segundo, el aquí reseñado, el que funciona de clavija entre ambas etapas. Además es, curiosamente, el único que en su momento no fue licenciado en USA. Además es este disco en el que Toda se incorpora a la banda, lo cual puede ser clave para entender el cambio de sonido.
Así pues "Angel'in Heavy Syrup II" (Alchemy, 1993) aun mantiene pautas del sonido primigenio de la banda, garage y noise aderezado con notas psicodélicas, pero entran ya a desarrollar atmósferas brumosas. Podemos encontrar largos desarrollos y buenos riffs cíclicos en "Naked Sky High", una nueva relectura del "Crazy Blues" -lo mejor del disco-, ya aparecido en su álbum debut en su edición estadounidense, o incluso una versión del "I Got You Babe" de Sonny & Cher. Todos sus álbumes están a un gran nivel, pero tal vez este puede ser el más homogéneo y, sin dudas, el que mejor describe al conjunto.
Angel'in Heavy Syrup - Angel'in Heavy Syrup II
1 - Introduction I / Naked Sky High 2 - Crazy Blues 3 - きっと逢えるよ [Kitto Aeruyo] 4 - Introduction II 5 - I Got You Babe
Vídeode Angel'in Heavy Syrup. No hay vídeos de este disco, por lo que, a modo de muestra, pongo uno cualquiera de la banda.
Pues quien lo diría... hace un año ya del nacimiento de este blog, que rápido pasa el tiempo... A mi particularmente me gustaría agradecer en todos los idiomas a todos los visitantes de este sitio pero no tengo ningún don de idiomas por lo que ya lo siento y se tendran que conformar en darle al boton de traducción y enterarse, a los lectores ocasionales, a los habituales, a las criticas sin base ningna, etc, etc... (es q soy muy malo para los discursos)
Ya lamento tambien que algunos no hayan encontrado el porno que buscaban (animo muchachos, seguid buscando es fácil encontrarlo) o los posts borrados porque algunos se piensen que esto es un buen lugar para venderse, que sí pero que primero nos dejen probar la mercancia y tal... es que ni un intento de soborno???
Para que no penseis que esto es solo palabreria, que os veo venir, dejo en los comentarios (porq es q os sacan de las costumbres y os perdeis) un par de regalos en forma de un par de mixtapes que son sólo versiones, en él encontrareis temas antiguos, clásicos, revisiones de temas mainstream, también canciones españolas vistas de una perspectiva diferente, grupos ficticios, grupos underground, y espero que con alguna q otra sorpesa... No dire nombres de nada, ni de los grupos que hacen las versiones, ni los versionados... es más debería de haber borrado los nombres, pero como soy buena persona no lo he hecho... no encontrareis temas de discos que ya estan en el blog, he dicho....
Ahora dejo la palabra a Aner, que seguro que le sale mejor... es que yo soy de los que se va de las fiestas a medio acabar y sin despedirme, sí, soy asi de odioso...
PD: Si vais a mandar regalos ya os dire un apartado de correos donde poderlo mandar... Y como siempre ponemos un video pues tomad este de quien sino...
Juicy Fruits versionando "Poupée de cire poupée de son"
Después de comentar el panorama actual, vamos a los inicios del shibuya-kei, que fue tomando forma gracias a grupos como Flipper's Guitar. ¿Cómo? ¿Que os suena una de esas caras? Claro, porque se trata de un jovencito 小山田圭吾 [Keigo Oyamada], más conocido por su proyecto Cornelius, uno de los representantes indiscutibles del género. Sin embargo, en Flipper's Guitar aún nos encontramos en la antesala del género.
Flipper's Guitar se fundó a finales de los 80 y se separaron tras la publicación de este álbum, "Doctor Head's World Tower" (Polystar, 1991). Sin embargo, su relevancia e impacto ha sido decisiva, como lo demuestran las diversas compilaciones y álbumes tributo publicadas para un grupo que editó tan sólo tres discos. Básicamente, Flipper's Guitar se iniciaron bajo las influencias de los géneros más punteros del momento, como el jangle pop o el sonido Madchester.
En este disco, Flipper's Guitar redondean su propuesta pop. Su mirada a los clásicos de los 60 se intensifica y queda ratificado en los múltiples extractos sacados de ellos: nada más empezar el disco con "ドルフィン・ソング" nos encontramos con la melodía de "God Only Knows", de The Beach Boys. Esto promete... y cumple lo prometido enseguida: ahí están las inmediatas e impecables "グルーヴ・チューブ" (popularizada en los últimos años pror la algo más descafeinada y a la vez muy mimética versión de Meg) o "奈落のクイズマスター" (con los doo doos de las coloured girls de las que hablaba Lou Reed), con bases electrónicas y la mirada puesta en UK y la euforia de aquel momento. Y, a pesar de un muy claro sonido del momento, la obra se expande y hace irresistible incluso hoy.
Flipper's Guitar - Doctor Head's World Tower
1 - Dolphing Song
2 - Groove Tube
3 - Aquamarine
4 - Going Zero
5 - (Spend Bubble Hour in Your) Sleep Machine
6 - Winnie-The-Pooh Mugcup Collection
7 - The Quizmaster
8 - Blue Shinin' Quick Star
9 - The World Tower
Uno de mis grupos preferidos es Melt-Banana, y ya era hora de meterlos. Y, si bien mi disco preferido de ellos es "Cell-Scape" (A-Zap, 2003), he preferido reseñar aquí este "Bambi's Dilemma" (A-Zap, 2007) por ser, como dijo el compañero, el disco que encierra todas las caras del grupo.
Melt-Banana es una banda tokiota creada a principio de los 90 en el ámbito universitario. Y este dato es importante porque, si bien desde el principio han sido muy ruidosos, es innegable la carga intelectual de su obra, que investiga todas las posibilidades que su sonido puede dar. Y de ahí a señalar la impresionante labor de Agata, el guitarrista del grupo, va un paso. Una auténtica bomba sónica.
"Bambi's Dilemma" es la cúspide de una obra fraguada a lo largo de más de quince años, ocho álbumes y multitud de Ep's, splits y colaboraciones, que van desde los Fantômas de Mike Patton hasta John Zorn, en cuyo sello (Tzadik) publicaron un álbum. Por tanto, aquí volvemos a encontrar sus golpes de energía en menos de un minuto ("T Is for Tone"), expermientos con texturas y electrónica ("Type: Ecco System") y canciones, digamos, en un sentido más tradicional ("Crow's Paint Brust") que pueden gustar a muchos a los que a priori les asustaría una propuesta tan arriesgada porque, en efecto, aquí encontramos ciertas estructuras más melódicas en algunas canciones. No es que llegue el sosiego, pero la intensidad está más medida.
En fin, un gran disco.
Melt-Banana - Bambi's Dilemma
1 - Spider Snipe 2 - Blank Page of the Blind 3 - Cracked Plaster Cast 4 - Heiwaboke Crisis 5 - Cat Brain Land 6 - Plasma Gate Quest 7 - Type: Ecco System 8 - The Call of the Vague 9 - Green Eyed Devil 10 - Crow's Paint Brush (Color Repair) 11 - T For Tone 12 - Slide Down 13 - Lock the Head 14 - One Drop, One Life 15 - In Store 16 - Dog Song 17 - Chain Keeper 18 - Last Target on the Last Day
Siguiendo con la estela de grupos creativos y/o innovadores, aquí traemos hoy a マキシマム ザ ホルモン [Maximum the Hormone]. Si bien englobable con claridad dentro del metal alternativo, encontramos en ellos notables influencias de hardcore punk e incluso pop. Basta repasar su lista de grupos preferidos para darse cuenta de su eclecticismo: Shiina Ringo, RHCP, SOAD, Iron Maiden, etc.
Su último LP, y probablemente el de mayor éxito, es este "ぶっ生き返す [Buiikikaesu]" (Vap, 2007), que se sumerge plenamente en corrientes del nu-metal con unos cuantos escarceos. Lo primero que llama claramente la atención son los juegos de voces: los gritos enfermizos de Daisuke, el toque pop de Nawo y el látigo punk del enorme (en sentido figurado y literal) Ryo. El álbum, por ejemplo, lo abre un tándem pegadizo y directo, compuesto por la canción que da nombre al disco y "Zetsubo Billy", continuadas por la curiosa "Kuso Breakin no Breakin Lilly" a ritmo de... ska! Y voces guturales! Desde luego podrá gustar más o menos, pero que no se dude de su originalidad. La notable influencia del nu-metal también les dota, por ejemplo, de fraseos rap y poderosas líneas de bajo, cercanas al funk en algunos momentos, sin olvidar ese pequeño coqueteo electrónico en "Bikini. Sports. Ponchin" que hace su estribillo mucho más pegadizo. El álbum, por cierto, contiene una pista oculta.
Para el vídeo voy a poner el de "Bikini. Sports. Ponchin", pero señalar que el de "爪爪爪", su último single, ha sido galardonado con el premio al mejor video de rock en la gala MTV de Japón.
Maximum the Hormone - Buiikikaesu
1 - Buikikaesu!!
2 - Zetsubo Billy
3 - Kuso Breakin no Breakin Lilly
4 - Louisiana Bob
5 - Policeman Benz
6 - Black Power G Men Spy
7 - Akagi
8 - Kyokatsu
9 - Bikini. Sports. Ponchin
10 - What's Up, People!!
11 - Chu Chu Lovely Muni Muni Mura Mura Purin Purin Boron Nururu Rero Rero
12 - Shimiin
13 - Koi no Mega Lover
Nos adentramos en terrenos experimentales con Reiko Kudo (工藤礼子), Omura de soltera, y su álbum "夜の稲 [Rice Field Silently Riping in the Night]" (Periodic Document, 2000). Reiko fundó en los años setenta la banda Noise con el que sería su marido, Tori Kudo. El nombre ya lo dice todo, y la orientación experimental será una constante de la pareja en futuros proyectos, como Maher Shalal Hash Baz, igualmente recomendables, o el último disco que han sacado, este mismo año, bajo el nombre de 工藤礼子・工藤冬里, "これから [From Now On]" (PSF, 2009). De hecho, en este disco que aquí comentamos, Reiko mantiene las constantes que definen sus anteriores trabajos, tales como el ruidismo, el sonido lo-fi, la experimentación, etc., en este caso en una obra con tintes neofolk y psicodélicos.
De nuevo realmente explícito el título del álbum que, junto a la portada, nos ilustra la emoción que produce el mismo. Intimismo (a lo que ayuda mucho la voz y el tono de Reiko), contemplación, atención a los pequeños detalles, etc. No es, sin embargo, ninguna cacharrada de disco; hay buenas canciones, bien construidas, hermosamente sencillas y en algunos casos hasta inmediatas. Abundan las cuerdas, los juegos con la voz, se oyen guitarras desafinadas y demás instrumentación desorbitada para recrear un ambiente exquisitamente delicado. A destacar especialmente las dos canciones que abren el disco y, por supuesto, "Son of Man", una maravilla casi perturbadora. Un disco para escuchar de noche.
Reiko Kudo - 夜の稲
1 - Kaihatsu-san
2 - My Brother
3 - Mihoko
4 - Lily
5 - Emi & Mrs. Evans
6 - Mrs. Wheeler
7 - Son of Man
8 - As You Wake Up in the Morning
9 - Together
10 - Consolation
11 - Rose
Como veo que una de nuestras entradas con mayor número de visitas es la de Hi-Posi, me he decidido a retomar el grupo (el primero que repite en este blog). Para ello traigo mi reseña del que considero su mejor disco "かなしいことなんかじゃない [Kanashii koto nannkajanai]" (Kitty, 1996).
Ya en la anterior entrada, decíamos que Hi-Posi era un grupo englobable dentro del llamado shibuya kei. Sin embargo, Miho Moribayashi es mucho más atrevida y ecléctica, y se atreve a experimentar con músicas y sonidos a priori inesperados, pero que, sin embargo, encajan en el conjunto y hasta crean piezas sublimes. En este disco encontramos una tanda imbatible, con だいすきであるが故の努力, 脈があるのか? y ひまわり, cargadas de atmósferas sugerentes y detalles que las arrastran fuera de los clichés de uno u otro género: bases programadas cercanas al trip hop conviven con arreglos orquestales, slides y líneas de bajo funkies; ambientes jazzísticos (台風のどまんなかで) y efervescencia pop (重力をなくして).
Miho, con el apoyo de Kenji Kondo, toca todos estos palos con el cuidado de encajarlos en un conjunto equilibradamente vitalista que se mueve entre el hedonismo y la melancolía, a través de canciones que, como se describen, cuentan con un profuso barroquismo (理想の♂) y otras desnudas con la sola compañía de una guitarra acústica (最高の前戯). Y todo ello siempre con la cándida voz de Miho.
El balance final es un álbum pleno de vida, matices y movimiento, cadencioso y heterogéneo que ni marea ni, desde luego, aburre. Es difícil hacerse eco de obras como esta aun hoy día, era de la globalización, debido a la evidente barrera lingüístico-cultural, pero el excelso uso del lenguaje pop que en este disco hay rompe o debería romper toda barrera.
Al principio de este blog hablaba de la generalizada costumbre en las bandas de punk rock de oriente por tomar el género desde una perspectiva más lúdica que política. Para demostrar que solo es una tendencia y no una norma, aquí traemos a 秋茜 [Akiakane], girl-band japonesa que comparte vocalista con Softball.
Esta es una banda singular. Rompiendo estereotipos punk, Akiakane es fuertemente nacionalista, y en sus letras hacen gala del orgullo por su tierra, sus costumbres y leyendas, así como criticar duramente a los Estados Unidos, como ocurre en su inefable canción "Uncle Sam" y posicionarse en el conflicto entre Taiwan y La República Popular China en favor de los primeros, auque, eso sí, no en busca de la beligerancia sino de la libertad. Una forma de entender el punk, desde su propia sociedad y cultura, algo diferente del cliché que en occidente tenemos.
Aquí traemos el que es su primer álbum para el mercado occidental, "Kasumisou" (Asian Man, 2006), que contiene algunos temas incluidos en sus anteriores discos y a los que suma letras en inglés para que el mensaje no se pierda. Aunque ellas señalan a The Clash y Dead Kennedys como referencias (fundamentalmente en el aspecto lírico), el sonido se acerca más a un pop punk en el que el apartado melódico reside en buena parte en la voz de Moe, casi siempre a un ritmo frenético y alejado del estereotipo de banda japonesa de chicas (aunque algún deje hay, como en "Clover"). Destacan especialmente la mencionada "Uncle Sam" que abre el disco, "Dear Friend" o la que fue single "On the Record", épica punk de casi siete minutos. Cierra el disco una versión de los Sex Pistols, "E.M.I."
Sin material nuevo de estudio desde entonces y reconvertidas ahora en trío, Akiakane está de gira en estos días por su país. Así que, amigos japoneses que visitáis el blog, aprovechad vosotros que podéis e id a verlas en directo!
Akiakane - Kasumisou
1 - Uncle Sam 2 - Tepee 3 - Clover 4 - 1945 5 - Kaze to Tomini 6 - Hanamichi 7 - Kasumisou 8 - Dear Friend 9 - I'm not Down 10 - Fuckin' Media 11 - Fighting Spirits 12 - On the Record 13 - E.M.I.
Presento hoy a Xin Bao-er (traducción usual de su nombre, si bien se encuentran múltiples formas o alternativas, como Cindy Xin), cantante de voz grave y belleza rotunda que hasta la fecha nos ha ofrecido tres álbumes, siendo, en mi opinión, este reseñado el mejor de ellos. Mi desconocimiento del mandarín me impide proporcionar mucha información sobre ella, pues no parece disponer de web oficial ni nada por el estilo, y la información que de ella podemos encontrar por la red es muy dispersa y escasa: una reseña por allí, una actuación por allá, una discreta mención en otro lado...
Nuestra amiga Cindy se dedica fundamentalmente a las baladas, de fuerte poso melódico y dramático -si fuese conocida aquí, seguramente sería una auténtica diva en el colectivo GLBT-, pero a menudo llenas de originales, creativos y, sobre todo, variadísimos arreglos (guitarra española, electrónica, cuerdas, etc.) que, aparte de hacerlas mucho más sugerentes, les otorgan es toque extravagante que la hace diferente de otras cantantes melódicas mucho más convencionales, tratando cada cancion de forma singular, con mimo y sin deslucir la sensación de conjunto. Siendo esa la tónica general, ¿qué hace que "怀念 [To the Memory]" (JSCP, 2008) sea el mejor? Pues diversos factores. Primero, es el más accesible. Las canciones de Xin Bao-er tienen una tónica triste, realmentetriste; sin embargo, aquí se decanta más por una especie de alegría contemplativa, íntima (ahí tenemos, por ejemplo, "潇湘雨" o "蓝眼泪"). Derivado de ello, Cindy revisa su carrera y da un paso distinto, con canciones mejor construidas. Y, finalmente, en este disco, los arreglos se decantan más por un sonido tradicional chino combinado con pop, con lo que gana en personalidad cultural. Es, por tanto, un álbum más homogéneo que los anteriores, más accesible y agradable de oír. Y no olvidemos la voz de Cindy, que como digo es grave, pero dulce, suave, y sobre todo muy elegante: nunca hace alardes innecesarios y siempre está muy medido el tono en el que canta.
Tal vez sea un álbum poco atractivo para los más jóvenes, pero su calidad es innegable.
Vídeo de 辛宝儿 No hay ni vídeos ni actuaciones de Xin Bao-er en youtube, pero tenemos esta canción que pertenece a la OST de la película "紫玉金砂" (2008), muy cercano en estilo a lo que la artista ofrece en este último álbum.
En esta ocasión, en vez de reseñar un álbum, voy a dedicar la entrada a un EP, por ser "Lollipop" (Sucre, 2006) la única obra publicada de momento por Marino. Y merece la pena porque, buceando por la red, uno encuentra multitud de pequeños datos dispersos acerca de él, de su autora, etc., pero poca cosa consistente y que ha hecho crecer su aura de culto. Por ejemplo, si bien ha sido reeditado el año pasado (remasterizado y con una nueva canción), las copias de la edición original, de segunda mano, no bajan de los 6000 yenes.
De hecho, es tal la adoración que este pequeño disco despierta, que apenas encontramos información de la autora -que de todos modos podemos paliar, si manejamos bien el japonés, visitando su blog-. Escasamente sabemos que Marino es o ha sido, entre otras cosas, DJ residente en Tokio, que siente adoración por su gato y que en directo se acompaña de sus Marino Dolls, bailarinas que junto a ella montan pequeños y divertidos numeritos al son de sus canciones.
¿Y qué pasa con las canciones? Pues producidas por Yasutaka Nakata (Capsule) y Tomonori Hayashibe (Plus-tech Squeeze Box), nos hacemos ya una idea de qué van, ¿no? Si hablamos de etiquetas, la gente usa las de Shibuya-kei o picopop, pero con esas cosas me lío, así que lo dejo en pop electrónico, muy feliz y divertido, algo ingenuo y muy adorable. Las cinco canciones son todas bonitas, pero sin duda "フレイバー[Flavor]" sobresale del conjunto. Tan sencillo como escuchar, disfrutar y, si tienes ganas, bailar.
¿No resulta fascinante descubrir auténticas estrellas que son absolutamente desconocidas fuera de su país? Ese es el caso de 盧廣仲, nombre que se viene traduciendo como Crowd Lu -o más raramente, Vitas Lu-, y que además ha llegado a la fama de una forma fulgurante y en buena parte gracias a internet. Natural de Taipei, Taiwán, nuestro amigo Crowd no aparenta ser la típica estrella pop, con sus enormes gafas, su imagen de empollón y una personalidad tímida. Sin embargo, ha vendido más de diez mil copias de sus sencillos y su álbum "100种生活 [100 Ways of Living]" (Avex, 2008) ha sido todo un éxito y ha dado mucho que hablar.
Armado con su guitarra acústica, Crowd ha roto los estereotipos de la estrella pop mainstream en su país, y no solo por su aspecto, sino también por su música, sencilla, accesible y cuidada, como se espera de un producto superventas, pero también cercana, brillante y de calidad.
No hay mucho más que contar de él debido a que su debut se produjo el año pasado. En la red podemos encontrar muchos vídeos, como su famosa imitación de la canción del intérprete ruso Vitas, "Opera no. 2". Nos queda la duda de qué será capaz de ofrecernos el bueno de Crowd en el futuro y soñar con que su propuesta llegue a expandirse hasta Occidente (a veces se atreve con el inglés), pero de momento podemos disfrutar de un álbum lleno de bonitas canciones, como la homónima o la que ofrecemos en el vídeo de abajo.
Un grupo bastante admirado en Japón, mucho más allá de la escena independiente, es Sheena and The Rokkets. Esta banda se formó en 1978 con Makoto Ayukawa y la propia Sheena a la cabeza y fueron protagonistas del llamado Mentai Rock, una de las principales escenas japonesas, que copó las listas de éxitos del país en los primeros ochenta, organizada al abrigo de la New Wave y con la ciudad de Fukuoka como foco. A esa época corresponde la grabación de este disco, "真空パック [Synkuu Pack]" (Alfa Records, 1979), producido por Harumi Hasono (Yellow Magic Orchestra; también aparece Ryūichi Sakamoto en los teclados en diversas ocasiones), y en general todas las mejores grabaciones de la banda, que sigue en activo pero no demasiado.
Entrando ya a valorar el álbum en cuestión, nos encontramos ante una de las grandes obras del pop rock japonés. No en vano, la revista Rolling Stone lo colocó en el puesto 44 de la lista "100 Greatest Japanese Rock Albums of All Time" que publicó en la edición nipona de septiembre de 2007. El disco se inicia con una alocada y electrónica versión de la popular sintonía de Batman (como un par de años antes hicieran también The Jam) e inmediatamente llegamos a la gran canción del disco: "You May Dream", su tema más popular junto a "Lemon Tea". La canción, que recuerda en su estilo a los viejos éxitos de la factoría Spector, con "castañuelas" incluidas, tiene ese aire retro y a la vez imperecedero, emocionante y rebelde como el "Leader of the Pack" de The Shangri-las. El resto del disco, sin embargo, no se resiente de la pronta aparición en su metraje de una canción tan apabullante, e inteligentemente es continuada por la divertida "Sentimental Fool". Además, podemos encontrar varias versiones que Sheena and The Rokkets llevan a su terreno y que Hanoso dota de curiosos arreglos. Es así en "オマエガホシイ [One More Time]", que no es si no el clásico trallazo de The Stooges "1970", así como el mítico "I Got you, I Feel Good" de James Brown o la archiconocida "You Really Got Me" de The Kinks. El álbum, pues, se mueve entre momentos más pop, otros más rock, en general imbuidos de la nueva ola y el punk proveniente del Reino Unido y, como se ha dicho, con unos arreglos electrónicos que le dotan de un sonido muy particular, lo que es especialmente palpable en el tema final del disco, "Rokket Factory", pieza que encajaría perfectamente en un álbum de YMO.
En fin, para no alargar esto demasiado, acabar con una anécdota. La portada original del disco mostraba a los componentes de la banda envueltos en papel de plástico sobre un fondo azul. Al parecer, la portada fue muy criticada por ciertos sectores sociales que la consideraron peligrosa porque podría ser imitada por niños (?), y al año siguiente fue sustituida por otra en blanco y negro donde aparecen los miembros bebiendo combinados. Esa misma portada fue usada un año después para un recopilatorio estadounidense.
Sheena & the Rokkets - 真空パック
1 - Batman Theme
2 - You May Dream
3 - Sentimental Fool
4 - オマエガホシイ
5 - Lazy Crazy Blues
6 - Moonlight Dance
7 - Stiff Lips
8 - Heaven or Hell
9 - I Got You, I Fell Good
10 - You Really Got Me
11 - Radio Junk
12 - Rokket Factory
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